Центр современной культуры «Смена», Шведский институт и посольство Швеции в Москве 9 августа 2017 открыли выставку «Кафе „Лемитц“» фотографа Андерса Петерсена. Серия работ Петерсена, рассказывающая о жизни гамбургского бара конца шестидесятых, стала классикой шведской документальной фотографии.

«Кафе „Лемитц“» — серия снимков, сделанных Андерсом Петерсеном с 1967-го по 1970 год, считается родоначальницей субъективной фотографии. Документируя жизнь гамбургского бара в конце шестидесятых, художник дает волю своей интуиции и сомнениям, чтобы ярче высветить многогранность его завсегдатаев. В баре сходятся портовые грузчики, окрестные жители, представители социального дна. Фотосерия напоминает семейный альбом, запечатлевший разнообразные встречи с людьми в привычной для них обстановке. Фотограф живет среди них и общается с ними на протяжении нескольких лет, благодаря чему люди проникаются доверием и принимают Петерсена за своего. Это доверие и эта близость хорошо просматриваются на фотографиях.

Андерс Петерсен родился в 1944 году в Стокгольме. Учился искусству фотографии в школе Кристера Стрёмхольма (1966–1968) и Драматическом институте (1973–1974). Входит в число лучших шведских фотографов из ныне здравствующих. Международное признание приходит к нему в 1978 году, когда Петерсен выпускает фотокнигу «Кафе „Лемитц“». Сейчас на его счету уже более двадцати пяти книг.

Из премий и наград стоит упомянуть следующие: «Фотограф года» (2003) фотофестиваля «Встречи в Арле», специальный приз жюри (2007) за выставку Exaltation of Humanity («Возвышение рода человеческого») на III международном фотофестивале в Ляньчжоу (КНР), Премия доктора Эриха Заломона (2008) Германского фотографического общества, Премия фотофестиваля в Арле за «Лучшую современную фотокнигу» (2009) за работу From Back Home («Малая родина»), созданную вместе с Й.Х. Энгстрёмом. Кроме того, за City Diary («Городской дневник»). Парижское фотографическое общество присудило Петерсену премию «Фотокнига года» (2012).

Работы Андерса Петерсена представлены в коллекциях МоМа (Музея современного искусства в Нью-Йорке), MACRO (Римского музея современного искусства), Национальной библиотеки Франции (Париж), Национального центра искусства и культуры Жоржа Помпиду (Франция), Центра Хассельблад в Гетеборге (Швеция), Музея Фолькванг в Эссене (ФРГ), Национального фотомузея при Королевской библиотеке Дании, Фотомузея города Винтертур (Швейцария), Стокгольмского музея современного искусства. Петерсен представлен также в галерее Жан-Кента Готье в Париже.

Центр современной культуры «Смена» (Казань) и междисциплинарный центр Department of Research Arts (Москва) представляют третий проект совместной программы «Не-места» — выставку «Encounters / Столкновения» художника Алексея Васильева.

На выставке представлен цикл портретных работ, созданных в разное время и выполненных в типичной для него экспрессивно-художественной манере на больших листах и рулонах промышленной бумаги. За каждым портретом, со слов Васильева, есть своя история — столкновение с реальной или выдуманной биографией, эпизодом из жизни персонажа. Для художника ключевым является не столько портретное сходство с человеком, сколько ситуативный контекст с привнесенными извне смыслами, в котором Алексей оказывался или мог оказаться вместе с конкретным человеком или персонажем.

О художнике:

Художественный стиль Васильева можно определить как неоэкспрессионизм: «Васильев отсылает к традиции неоэкспрессионизма, он — продолжатель той самой „плохой живописи“, ее первооснов, но с одной оговоркой. Он не выбирает и не заимствует этот язык из числа возможных, это его родной язык. Такое слипание характерно для авторов, которые „этим живут“, это не языковая игра, а скорее — персонажность», — говорит куратор и художник Владимир Потапов. Это, в частности, проявляется в нежелании Васильева придать своей работе рациональность — в видеоинтервью он со скепсисом говорит о целесообразности использования таких слов, как «метод» и «исследование».

Исследование для Васильева — всегда столкновение, которое может произойти в непредвиденной ситуации и тогда, когда меньше всего этого ожидаешь. Опыт, переживаемый художником, может послужить отправной точкой для других проектов или породить новые смыслы. Васильев отказывается видеть в искусстве конструктор подобно научному методу, который позволяет достичь нужного результата через следование определенным инструкциям и правилам обращения с заранее готовыми элементами.

Программа «Не-места» включает в себя серию персональных выставок современных российских художников, резиденции, а также цикл публичных мероприятий, объединенных общей темой, — антропологический опыт пребывания в «не-местах».

Weltformat — полиграфический термин, обозначающий самый большой размер печатного плаката (90,5 × 128 сантиметров), распространенный в Швейцарии. Так же называется и объединение швейцарских графических дизайнеров и иллюстраторов, проводящих каждую осень в Люцерне фестиваль плаката. С середины 1990-х годов усилия дизайнеров России в этой области последовательно канализируются в плоскости внутрицехового гамбургского счета: плакаты делаются для конкурсов, выставляются на графических биеннале, зарабатывают призы и приносят грамоты. А для зрителя и заказчика плаката не существует.

Как показывает выставка дизайнеров объединения Weltformat, в современном Люцерне совершенно другая ситуация. Плакат здесь не просто висит — он шокирует, он чарует, он информирует, он разговаривает, наконец, с горожанами во весь голос. Он ярок, он интересен, он востребован.

Совершенно очевидно, что в этой, швейцарской, современности плакат становится в один ряд с новыми медиа — он рассчитан на непосредственный контакт с горожанином, он «живет» на улице, он «продает» не товар, а, скорее, точечную культурную услугу — приглашает в театр, на выставку, в музей или на рок-концерт.

Замечали, нынешним летом очень мало мух? Возможно, они вымирают вслед за тараканами-прусаками под действием то ли излучения сотовых телефонов, то ли истончения озонового слоя, подобно тому, как динозавры пали жертвой удара астероида. Возможно, представляемая в ЦСК «Смена» выставка «МУХА» в каком-то смысле — если не прямо, то косвенно — восстанавливает баланс в биосфере.

Зачем нужны мухи? Социальное ли существо муха? Несут ли в себе фигуры, выписываемые ими в полёте, какую-либо информацию? Масса вопросов, но ни на один из них данный художественный проект не только не даёт ответа, но даже и не ставит. Отметим только, что по отношению к человеческому обществу муха может считаться в некотором роде социопатом. Хотя немало предшествовавших обращений (басни Крылова, стихи капитана Лебядкина и др.) к образу мухи имеют свои истоки в аллегорических параллелях между этим существом и хомо сапиенс, авторы, дабы избежать обвинений в так называемой «литературщине», могущих воспоследовать со стороны ревнителей чистоты современного искусства, здесь таких аллегорий искать не советуют. За скобками остаётся и политическое звучание жужжания. Попробуем отнестись к мухе как к исключительно эстетическому явлению. Представим себе муху как некую идею, если не сказать идефикс.

Замысел выставки возник у авторов семь лет назад. Проект экспонировался в 2007 году в ГМИИ РТ, в 2011-м – в «Новой галерее» в Самаре. Нынешнее обращение к теме носит характер модного ныне ребрендинга: за истекший период массив выставки пополнился немалым числом новых экспонатов, кроме того, авторы много о чём передумали за этот период и, возможно, вкладывают даже в прежние работы какой-то отличный от первоначального смысл. Какой именно — об этом остаётся только догадываться тому, кто познакомится с выставкой.

Участники: Ильгизар Хасанов, Олег Иванов, Михаил Пивоваров, Рашид Тухватуллин, Вадим Харисов, Роберт Хасанов

Фотовыставку не принято называть по количеству квадратных метров, которые она займет, если все снимки аккуратно разложить на полу. Однако здесь эти восемь с половиной квадратных метров наталкивают нас на мысль о хрестоматийной и порой пугающей жизни в одной из комнат коммунальной квартиры. Создается ощущение, что именно автор проживает на этой площади, постоянно разглядывая сквозь замочную скважину своих сожителей. При виде объектива «соседи» иногда прячут лицо под своей пятерней, иногда приветливо улыбаются или вовсе не обращают внимания на репортерский интерес малознакомого им мужчины. Казалось бы, разрозненные фотоистории никак не связанных городских сообществ слипаются здесь, как прижатые друг к другу локти квартирантов, ожидающих своей очереди на посещение общего туалета или душевой в узком коридоре коммуналки.

Экспозиция содержит фотографии, сделанные в марийских деревнях, в детском цирковом училище, на птичьем рынке и на месте руинированного летнего шахматного клуба в парке имени Горького, где игроки до сих пор собираются под целлофановой пленкой, натянутой между четырьмя покосившимися столбами. На представленных фотографиях мы видим зафиксированный быт и повседневность людей неменеджерских профессий, оставленных на обочине общественного интереса.

«Невидимые города» — документальный проект о повседневной жизни российских моногородов. Некоторые из них строились постепенно, начиная с XVIII века, и за это время успели обрасти историей и традициями. Многие возникли почти мгновенно, в 1930-х, в период индустриализации. Другие выросли вокруг заводов, эвакуированных в глубь страны в начале Второй мировой войны. Авторы проекта предполагали, что возникшие после развала СССР экономические проблемы уравняли моногорода между собой и что, побывав в двух-трёх из них, можно будет сделать выводы обо всех. В итоге сейчас в проекте представлено 11 городов, но вопросов стало только больше, выводов меньше, а авторы собираются продолжать свое исследование.

Участники: Антон Акимов, Евгений Ваничев, Анна Крылова, Илья Пилипенко, Элина Рыженкова, Антон Соколов, Александр Соло

Произведения восьми казанских художников Елены Грызуновой, Олега Иванова, Михаила Пивоварова, Николая Рябова, Вадима Харисова, Рашида Тухватуллина, Ильгизара Хасанова и Роберта Хасанова объединены общей идеей в две перекликающиеся друг с другом экспозиции — «Чердак детства» и «Зима».

Проект каждого из авторов размещен в отдельных локациях, из которых состоит чердачное пространство «Смены». Связующей нитью в этом «художественном лабиринте» выступает ностальгия авторов, призванная пробудить в зрителе глубинные чувства и воспоминания.

По словам Ильгизара Хасанова, куратора выставки, проекты, представленные на «Чердаке» являют собой очень личные послания. Каждый автор высказывается в меру своей открытости, облекая в ту или иную эстетику собственную историю — о мальчике или о девочке, о природе или о вещах. Например, об игрушке, которая уже давно покоилась на чердаке, пока ее не обнаружил художник.

В этот раз мы предлагаем вам изучить мир беспредметного искусства, которому свойственны особая визуальная динамика, экспериментальная работа с цветом и формами.

Участники: Рашид Асадуллин, Рамин Нафиков, Рустам Салихов, Ильгизар Хасанов

Отрешенность от форм реальности в абстрактных работах даст вам возможность сосредоточиться на своих переживаниях, сначала оптических, воспринимая творения художников визуально, а затем внутренних, улавливая ассоциации, движения мысли, потоки сознания.

В выставках свободных в своих интерпретациях, к каким, без сомнения, относятся «Оптические переживания», кураторы «Смены» видят возможность подготовить публику к более сложным для восприятия проектам, которые станут частью экспозиционной программы ближайшего года.

Персональная выставка петербургского художника Николая Копейкина.

Каждая картина художника — это маленький веселый бунт, уходящий корнями в советскую повседневность. Однако за маской скомороха, очеловеченными слонами и медведями, обжившими Петербург Копейкина, скрывается истинный, хотя и ироничный художник.

Мистификатор, скрывающий место своего рождения, многолетний участник петербургского культурного андеграунда, режиссер-авангардист и художник Николай Копейкин отбирал картины совместно с куратором выставки Евгением Жудровым специально для открытия галереи в рамках «Смены». Также в рамках открытия галереи состоится творческая встреча с Николаем, где любой посетитель сможет пообщаться с культовым художником лично.

Для искусствоведов и критиков одно из самых объективных подтверждений таланта художника — количество выставок, в которых он участвовал. В этом смысле Николай Копейкин вниманием не обделен: 30 групповых выставок и 15 персональных. Картины художника выставлялись в Лондоне, Женеве, Амстердаме, Роттердаме и многих других городах. Произведения Николая Копейкина хранятся в музеях и частных галереях России, Дании, Нидерландов, Франции, Швейцарии, Австрии, Италии, Германии, Венгрии, Словении и Японии.